Helmut Lang: Eine Mode-Ikone im Wiener MAK

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Als Peter Scepka am 10. März 1956 in Wien geboren wurde, ahnte niemand, dass er sich Jahrzehnte später als Helmut Lang in der Modegeschichte einen festen Platz sichern würde. In den 1990er-Jahren prägte er eine Ära und war stilistisch ebenso einflussreich wie Calvin Klein oder Prada. Doch Lang war nie bloß Designer, sondern immer auch Denker, Bildproduzent und radikaler Erneuerer. Als Autodidakt in der Modebranche entwickelte er eine eigene visuelle Sprache, experimentierte mit Materialien und verkörperte wie kaum ein anderer ein Denken gegen Konventionen. Seine Marke verkaufte er vor Jahrzehnten; er selbst hat sich längst aus der Mode verabschiedet und der Kunst zugewandt. Öffentliche Auftritte sind rar, auch rund um seine Ausstellung im MAK Wien gab es keinen.

Gerade darin liegt heute ein Teil seiner Kraft: in der Aura des schwer Erreichbaren, fast Mythischen. Helmut Lang ging nie in die Mode, um prominent zu werden, sondern um eine Vision zu realisieren. Und er veränderte nicht nur Kleidung, sondern auch deren Bewerbung: Er machte New Yorker Taxis zu Werbeträgern, verschickte Kollektionen auf CD-ROM und dachte die Modekommunikation zu einer Zeit neu, als digitale Shows noch Zukunftsmusik waren.

Wir haben mit Marlies Wirth, Kuratorin der Ausstellung HELMUT LANG, SÉANCE DE TRAVAIL 1986–2005, im MAK Wien gesprochen. Sie machte Helmut Langs Werk zwischen Mode, Kunst, Raum und visueller Kultur neu erfahrbar.

Sollte man sich vorher über die Geschichte von Helmut Lang informiert haben, um die Schau in allen Facetten zu verstehen?

Die Ausstellung ist bewusst nicht biografisch, sondern konzeptuell angelegt. Sie unterstreicht Langs Rolle als Pionier, der schon früh künstlerische Strategien einsetzte, lange bevor er sich 2005 aus der Modewelt zurückzog, um sich ganz auf seine künstlerische Praxis zu konzentrieren. Die Geschichte von Helmut Langs Label zwischen 1986 und 2005 erschließt sich anhand der Zusammenhänge zwischen Mode, Raum, Medien und Identität und folgt damit Langs Verständnis von Mode als interdisziplinäre Praxis. Entscheidend ist daher weniger Vorwissen als die Bereitschaft, diese Verflechtungen, etwa zwischen Wahrnehmung, Kommunikation und kulturellem Kontext, nachzuvollziehen. Eine Biografie mit wichtigen Meilensteinen aus Langs Schaffen ist zudem Teil der Ausstellung.

Helmut Lang hat Mode oft als Reduktion verstanden. Wo sehen Sie in seinem Schaffen Momente, in denen diese Reduktion radikal-progressiv wird?

Radikal-progressiv wird Langs Reduktion in dem Moment, in dem sie bestehende Systeme nicht nur vereinfacht, sondern auch grundlegend neu organisiert. Gleichzeitig basiert sein Essentialismus auf dem Gedanken, dass jedes Element eine funktionale, ästhetische und konzeptuelle Notwendigkeit erfüllt. Diese präzise Reduktion ermöglicht es, Identität nicht als fixe Kategorie, sondern als offenen, prozesshaften Zustand zu denken – ein Ansatz, der sich auch in der visuellen Kommunikation und der Raumgestaltung manifestiert. Auch in seiner Kommunikation wird dieser Zugang sichtbar: Durch die Kombination aus reduzierter Gestaltung, Weißraum und kunsthistorischen Bildvignetten oder textbasierten Medienformaten, etwa in den reduzierten Taxi-Top-Kampagnen oder in der Parfumkampagne „I smell you on my skin“ mit Textfragmenten der Künstlerin Jenny Holzer, unterläuft er etablierte Werbehierarchien und interveniert im öffentlichen kulturellen Raum. In jedem Fall ist Reduktion nicht als Minimalismus im formalen Sinn zu verstehen, sondern als Instrument, um Systeme zu öffnen, Bedeutungen zu verschieben und neue Formen von Zugänglichkeit, Wahrnehmung und kultureller Relevanz zu etablieren.

Wie hat man diesen Reduktionsgedanken in das Ausstellungsdesign übertragen?

Im Ausstellungsdesign wurde dieser Ansatz durch radikale Reduktion, kuratierte Leere und modulare Strukturen umgesetzt. Die Rekonstruktion der Store-Architekturen fungiert als räumliches Interface, in dem Wahrnehmung aktiv hergestellt wird. Schwarze Kuben als Container verweigern unmittelbare Lesbarkeit und fordern Bewegung, Annäherung und Perspektivwechsel. Diese Strategie entspricht Langs Prinzip, wonach Bedeutung nicht im Objekt selbst liegt, sondern in der Relation zwischen Objekt, Raum und Betrachter:in entsteht. Ergänzt wird dies durch klare Typografie, Weißraum und funktionale Displays, die eine konzentrierte, nicht hierarchische Erfahrung ermöglichen.

„Diese Verschiebung, die Uniformität nicht aufzulösen, sondern als System von Klarheit und Selbstbestimmung
neu zu definieren, prägt bis heute den Umgang mit Funktionalität, Gender-Codes und urbaner Kleidung.“

Marlies Wirth, Kuratorin der Ausstellung „HELMUT LANG. SÉANCE DE TRAVAIL 1986–2005“

Viele von Helmut Langs Arbeiten wirken heute zeitgenössisch und werden von Modejournalist:innen als „neue Klassiker“ behandelt. Wie sehen Sie seinen Einfluss auf die aktuelle Mode?

Langs Einfluss liegt weniger in wiedererkennbaren Formen als in der Etablierung struktureller Prinzipien, die heute selbstverständlich erscheinen. Lang hat Mode aus einem rein ästhetischen System in ein kulturelles und diskursives Feld überführt, etwa durch die Integration von Kunst, Medien und urbanem Raum zu gleichwertigen Ebenen. Seine Kommunikationsstrategien, die auf Kontext, Präzision und emotionale Resonanz statt auf Glanz und Glamour setzen, ebenso wie die Sichtbarmachung von Prozessen und Backstage-Momenten, prägen bis heute die visuelle Kultur der Modebranche und darüber hinaus. Viele dieser Ansätze, etwa Authentizität, Interdisziplinarität oder die Auflösung von Hierarchien, sind inzwischen zentrale Paradigmen zeitgenössischer Praxis. Ein zentrales Beispiel ist seine Auseinandersetzung mit Uniformität: Indem er Arbeitskleidung und den Anzug in seine eigene ästhetische Sprache transformiert, überführt er sie aus ihrem autoritären oder konventionellen Kontext in eine offene, universelle Formensprache. Diese Verschiebung, die Uniformität nicht aufzulösen, sondern als System von Klarheit und Selbstbestimmung neu zu definieren, prägt bis heute den Umgang mit Funktionalität, Gender-Codes und urbaner Kleidung. Funktionale Elemente werden nicht verborgen, sondern sichtbar gemacht und als ästhetische Struktur gelesen. Sie formulieren Modelle von Kleidung und Identität, die nicht an die Zeit gebunden sind, sondern weiterhin produktiv in den gegenwärtigen Diskursen wirken.

Der Ort MAK Wien steht für die angewandte Kunst- und Designgeschichte. Wie verändert dieser institutionelle Kontext den Blick auf Helmut Lang im Vergleich zu einer reinen Modeausstellung?

Im Kontext des MAK Wien wird Langs Werk nicht als Modegeschichte, sondern als Teil einer erweiterten Design- und Kulturgeschichte gelesen. Ausgangspunkt ist das MAK Helmut Lang Archiv, das Kleidung bewusst in ein erweitertes Gefüge aus Architektur, Medien, Kommunikation, Kunst und kulturellen Artefakten einordnet. Dieser Kontext ermöglicht es, Langs Arbeit als ein zusammenhängendes System zu verstehen, in dem alles gleich wichtig ist, vom Kleidungsstück bis zur Kampagne, vom Raum bis zum Prozess. Der kuratorische Rahmen ist im MAK Helmut Lang Archiv verankert und greift Langs Konzept der Séance de Travail, der Arbeitssitzung, als Prozess des kontinuierlichen Experimentierens, Verfeinerndens und Erneuerns auf. Dadurch verschiebt sich die Wahrnehmung: Lang erscheint weniger als Designer einzelner Kollektionen als als Akteur, der die Bedingungen von Wahrnehmung, Identität und visueller Kultur mitgestaltet. Die institutionelle Perspektive des MAK macht sichtbar, dass seine Arbeit an den Schnittstellen von Kunst, Design und Gesellschaft operiert und genau darin ihre anhaltende Relevanz liegt.

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Wer die Schau sehen möchte, hat noch bis 3. Mai 2026 Gelegenheit, HELMUT LANG. SÉANCE DE TRAVAIL 1986–2005 im Wiener MAK zu besuchen.